Par ‘Funmi Adewole Elliott
Quand Alesandra Seutin m’a annoncé qu’elle préparait Ceci n’est pas noire : Acte 2, j’étais ravie. J’avais été la dramaturge de la pièce originale Ceci n’est pas noire en 2013, dans laquelle elle explorait son identité africaine et remettait en question les perceptions de la société sur ce que devrait être une femme « de couleur ». Aujourd’hui, en tant que fille d’un père belge blanc et d’une mère sud-africaine noire, elle se tourne, dans ce deuxième acte, vers ses origines belges blanches. Un dramaturge joue le rôle de partenaire de réflexion et d’œil extérieur pour l’artiste et l’équipe créative. En travaillant sur cette pièce, j’ai été interpellée par le pouvoir de l’histoire personnelle à soulever des questions sociales et politiques plus larges. Comme le dit le dicton féministe, le personnel est politique. Les récits sur le passage à l’âge adulte, la quête d’un sens à la vie, le voyage et le retour, la confrontation avec le passé et la prise de place dans le présent sont des récits humains ; à travers eux, nous trouvons des voies d’accès à des histoires sociales plus larges, ainsi que des métaphores qui éclairent les enjeux politiques et les réalités sociales. Dans l’histoire d’Alesandra, je vois des histoires se heurter au sein d’une même famille et d’un même corps. Notre objectif n’était pas de démontrer la fusion, mais de créer une image montrant comment la vie exige une synthèse, où le mouvement, la musique, le son et la scénographie résonnent et véhiculent ensemble du sens.
Comme le font généralement les dramaturges, j’ai participé à la recherche pour cette pièce et travaillé avec Alesandra et l’équipe créative afin de rassembler des repères communs issus de l’histoire et de la culture populaire. Mais il s’est également agi d’une dramaturgie physique, ce qui m’a amenée à danser dans l’espace et à travailler avec Alesandra sur des modes et des méthodes permettant d’explorer comment le corps peut incarner une réalité sociale transnationale qui n’en reste pas moins ancrée dans des lieux et des cultures spécifiques. Verena Rizzo, multi-instrumentiste, partage la scène avec Alesandra, qui a tenu à ce qu’elle ne soit pas considérée comme une accompagnatrice, mais comme une interprète à part entière. Une partie de la dramaturgie a consisté à observer la personnalité de Verena se révéler. Pour moi, cela a été un processus d’écoute profonde : des propositions de Gerardo Salinas, le dramaturge du KVS, mais aussi des conversations entre la musicienne, le concepteur sonore, le dramaturge musical, les assistants de répétition et l’équipe de production. Nous nous inspirons mutuellement de nos idées, et Alesandra assure la direction artistique avec fermeté et générosité. Cela a été une véritable joie.
Alesandra est danseuse et chorégraphe, mais elle travaille de manière interdisciplinaire : elle a suivi une formation en arts plastiques et s’est produite en tant que chanteuse, ce qui confère à sa narration une dimension à plusieurs niveaux. Par ailleurs, l’histoire personnelle, la culture populaire belge (j’ai découvert, par exemple, que des chansons que j’écoutais depuis des années avaient été écrites par Jacques Brel) et le surréalisme belge constituent un terreau fertile. J’ai constaté qu’il présentait certaines différences par rapport à son homologue français. Il s’intéresse au quotidien et à la vie domestique, et le fait de manière politique. Les femmes surréalistes, parmi lesquelles Rachel Baes et Jane Graverol, ont particulièrement retenu mon attention. Le titre même de la pièce fait référence à l’une des œuvres les plus célèbres du surréalisme belge, Ceci n’est pas une pipe de René Magritte : un tableau représentant une pipe qui insiste sur le fait qu’il ne s’agit pas d’une pipe, nous rappelant ainsi qu’une image n’est jamais simplement la chose qu’elle représente.
Alesandra adore dialoguer avec son public. Lors du premier spectacle, elle a organisé un jeu de devinettes : elle a placé sur son front une carte sur laquelle était inscrit un mot (Dieu, la Reine, Beyoncé) et a posé au public des questions auxquelles il ne pouvait répondre que par oui ou par non. Puis est venue la question « Suis-je noire ? », et le public a répondu en criant. Cette fois-ci, elle a créé un « balcon de concert », d’où elle s’adresse au public à travers une série de transformations, de genres musicaux et de poésie, avec le genre de chants que l’on entend lors des concerts : Can you hear me, Belgium?! Le « balcon de concert » regorge de répliques à double sens, de mélodies entraînantes, de mouvements qui vous font bouger, et de voix qui se prêtent à une écoute à la fois facile et dérangeante. Derrière le balcon, le sol est marqué de manière à suggérer des espaces multidimensionnels. Ces marquages sont issus d’une méthode d’improvisation qu’Alesandra utilise dans sa pratique de la danse. Une grande partie de nos discussions dans la salle de répétition a porté sur la manière dont les images, les symboles, les souvenirs et les histoires contenus dans ce sol peuvent être intégrés au spectacle. À travers la danse, Alesandra passe d’un personnage à l’autre, d’une princesse de la pop éblouissante à une figure louche et prédatrice, issue de différentes époques, oscillant entre son enfance et son présent de femme dans la quarantaine. Des photographies de sa famille, de sa mère et de son père apparaissent dans la scénographie, accompagnées d’échos de morceaux de musique emblématiques. J’ai été intriguée par la tension entre le balcon et le sol situé derrière lui. On peut y voir un lieu de rencontre entre le visible et l’invisible, mais il comporte d’autres niveaux de lecture. J’envisage une expérience immersive offrant au public diverses façons d’entrer en connexion avec l’œuvre. À une époque marquée par les guerres, les troubles sociaux et l’oppression néocoloniale dans de nombreuses régions du monde, je crois que nous devons nous rappeler ce que nous partageons : un désir commun, profondément humain, d’une vie bonne et pleine de sens. Il est nécessaire de réfléchir à ce qu’exige véritablement de nous le fait de vivre ensemble dans la paix et l’équité. Ceci n’est pas noire : Acte 2 fonctionne comme le tableau de Magritte. On y voit l’œuvre d’une femme de couleur, et on en vient à comprendre que le monde ne peut pas être si facilement divisé en noir et blanc.