Participation, diversité, représentation : ces termes servent souvent à attester d’un circuit culturel inclusif et mesurable. Mais que signifient-ils en dehors des notes de politique générale et des dossiers de subvention ? Pour le chorégraphe Seppe Baeyens et le créateur de théâtre Junior Mthombeni, ces concepts ne sont pas des cadres théoriques, mais des pratiques concrètes. À l’aube de leurs nouvelles créations prévues pour le printemps 2027, ils s’entretiennent et partagent leurs expériences lors d’un moment de réflexion commun.
Pour Die Before You Die, Mthombeni s’est rendu à Varanasi, en Inde, une ville où la vie et la mort se côtoient en permanence. « Varanasi est un lieu où les gens se rendent pour mourir, et mais pas dans un sens négatif. C’est ce qui m’a attiré », dit-il. Dans le spectacle, il abandonne son nom de famille Mthombeni, imposé par le régime d’apartheid sud-africain. Son vrai nom, Moloi, associé aux guérisseurs spirituels, devient un symbole de réappropriation et de résistance. La disparition d’une forme ancienne fait place à autre chose.
Baeyens s’intéresse à une autre forme de collectivité : le musée. Kosmos est une création qui s’inscrit explicitement dans les espaces muséaux et qui est développée en dialogue avec KANAL-Centre Pompidou, le centre d’art bruxellois qui rouvrira ses portes fin 2026. Après des années de travail dans les domaines du théâtre et de l’espace public, Baeyens explore le fonctionnement d’autres contextes institutionnels comme lieux de rassemblement, et surtout dans quelles conditions ce rassemblement a lieu.
Collectivité et ritualité
Dans Kosmos, Baeyens explore comment la danse peut établir une nouvelle relation avec les arts plastiques, et comment le musée peut être redécouvert en tant qu’espace de connexion. La question centrale est la suivante : quel rapport entretenons-nous avec l’art, et comment sommes-nous nous-mêmes perçus ? Lorsque la danse évolue entre les objets, les corps et les visiteurs, un espace commun de rencontre se crée.
Mais que signifie réellement une telle rencontre ? Et quand prend-elle le caractère d’un rituel ? Pour Baeyens, ce n’est pas une question de forme ou d’appellation. « La notion de rituel est, en soi, très large », dit-il. « Pour moi, il s’agit moins d’un cadre fixe que d’une exploration. » Ses questions sont fondamentales et spatiales : à qui s’adresse un musée, qui a le droit d’y circuler, et à quelles conditions ? Le musée n’est pas un espace public qui baigne dans l’évidence, mais une institution qui se laisse explorer à travers le fait d’être ensemble.
Chez Mthombeni, cette même question de présence et de responsabilité se déplace vers un autre contexte : non pas le contexte institutionnel, mais le paysage culturel et historique chargé de sens dans lequel il travaille. « Je veille à ne pas l’exotiser, surtout lorsque je travaille dans des contextes locaux comme l’Afrique du Sud ou l’Inde. Il y a une dualité : cela m’attire énormément, mais je ne veux pas l’utiliser sans réfléchir dans une logique occidentale. C’est justement cette tension qui est intéressante à explorer. »
Participation et pratique
La participation imprègne leur travail, mais pas comme on l’imagine souvent. Pour Baeyens, ce n’est pas un simple ajout, mais un point de départ. Parallèlement à Kosmos, il présente une exposition confrontant les visiteurs du musée à des moments et des rencontres inattendus, disséminés tout au long du parcours. Grâce à un système modulaire, divers groupes s’y déplacent : « Ils finissent par se retrouver tous ensemble, dans une sorte d’apothéose où tous ces modules et toutes ces idées se rencontrent. »
Cette manière de travailler est axée sur le processus et l’inclusivité : Baeyens implique différents types de groupes et collabore avec des organisations telles que LEON, un lieu de travail nomade qui utilise la danse comme lien. L’expertise de ces partenaires est mise en commun avec celle du KVS et de KANAL, non pas pour tout lisser, mais pour explorer les possibilités de renforcement mutuel entre les connaissances et l’expérience.
Ainsi, outre le mélange entre le public et la distribution, on recherche également de nouvelles formes de collaboration au niveau organisationnel. Pour Baeyens, il s’agit aussi d’une quête personnelle : « J’habite à Molenbeek et je vois trop peu mon quartier représenté dans les musées ou les théâtres. Il y a là quelque chose qui cloche. »
Alors que Baeyens ouvre l’espace vers l’extérieur, Mthombeni se plonge dans un mouvement intérieur dans Die Before You Die. « Je crée souvent des spectacles de grande envergure, mais cette fois-ci, je me tourne vers l’intérieur. Je pense plus petit, pas moins, mais autrement », explique-t-il.
Parallèlement, il recherche des moments où le public peut établir une relation différente avec le spectacle, un rituel d’expérience partagée. « Je ne sais pas encore exactement à quoi cela ressemblera », ajoute-t-il, mais c’est justement ce non-savoir qui crée de l’espace.
Le terme « art participatif » est souvent utilisé dans le cadre du travail socio-artistique, comme s’il s’agissait d’une catégorie à part. Pour Baeyens, cette distinction pose problème. « En fait, l’implication est le fondement de toute œuvre d’art », dit-il. « Ce qui se passe lorsque des personnes qui ont normalement du mal à accéder au théâtre ou à la danse en deviennent partie prenante est particulièrement précieux. C’est difficile à mesurer, mais l’impact est bien réel. »
« L’implication est le fondement de toute œuvre d’art. » – Seppe Baeyens
Mthombeni estime que la participation est indissociable de son identité. « En réalité, je ne viens pas du monde du théâtre », explique-t-il. « Quand j’ai commencé, je trouvais cet univers extrêmement blanc et fermé… ce n’était pas un endroit où je me sentais naturellement à ma place. Les personnes avec qui je travaille et j’ai toujours travaillé sont extrêmement talentueuses, mais ne viennent pas du monde artistique traditionnel. L’important, c’est que leurs histoires puissent être entendues. »
Baeyens et Mthombeni constatent que les inégalités structurelles limitent encore les possibilités. Ceux qui sont au sommet décident qui sera visible. « J’entends parfois dire qu’aujourd’hui, il faudrait appartenir à un certain groupe minoritaire pour pouvoir s’intégrer quelque part. C’est n’importe quoi », affirme Mthombeni. « Si l’on regarde les programmations des centres culturels, elles manquent encore de diversité. On observe davantage de mouvement dans les grandes villes, mais il faut aller au-delà de l’ajout occasionnel d’un créateur issu d’un autre milieu. C’est le narratif de l’organisation elle-même qui doit changer. »
Bruxelles comme terrain fertile
Le contexte urbain de Bruxelles renforce cette approche, explique Baeyens. « La richesse des créateurs, des scènes et des initiatives fait de Bruxelles un terrain fertile. On trouve rarement ailleurs une telle concentration de talents et d’activités. » Mthombeni ajoute : « Bruxelles possède encore un fort esprit rock’n’roll. Ici, on peut oser expérimenter, un peu plus qu’en Flandre. »
« Bruxelles possède encore un fort esprit rock’n’roll. Ici, on peut oser expérimenter, un peu plus qu’en Flandre. » – Junior Mthombeni
Il y a quatre ans, les deux créateurs bruxellois avaient déjà collaboré lors d’un atelier estival organisé par le KVS, et le courant était tout de suite passé. « Ça s’est très bien passé », raconte Baeyens. « Je sentais déjà à l’époque que c’était sur la bonne voie. » Et que cela fonctionnerait bien si, un jour, une création commune était envisagée. « Honnêtement ? Je pense que ça marcherait super bien. Il me semble que Seppe est aussi quelqu’un de très généreux », dit Mthombeni. « Je travaille de manière très horizontale, donc les co-créations, le partage de l’expertise et des responsabilités m’intéressent toujours. En ce sens, j’apprécie énormément l’approche de Junior », ajoute Baeyens.
En conclusion, une idée demeure : le label « participatif » ne doit jamais fonctionner comme une étiquette hiérarchique ou réductrice qui dévalorise l’œuvre. Il ne s’agit pas d’une niche ou d’un label qui réduit l’œuvre à une catégorie à part. Au contraire, il s’agit d’une attitude, d’une manière d’être présent et de partager l’espace, au-delà des cases et des termes, où l’expérience partagée, la réciprocité et le changement structurel occupent une place centrale.
Entretien avec Aïcha Mouhamou